他所有的雕像作品，都充满痛苦，仿佛像从石头禁锢中解脱。但米开朗基罗直到晚年，才真的从中解脱。因为艺术已经无法满足他，他追求的是永恒。

——罗丹（十九世纪雕塑家）

该死的这双手，该死的时光流逝，该死的孤独寂寞，还有该死的大理石！只愿我所有的创作不曾留下，因为我做得还不够，该死的我，竟敢模仿上帝，创造生命，而未尽力活出自己的人生。

——纪录片《米开朗基罗》自述

1549年，已近80岁的米开朗基罗开始着手创作《隆达尼尼的圣母怜子》（Rondanini Pieta），直到生命的最后时刻，他都在修改这尊雕像。

这是米开朗基罗艺术生涯最末期的作品，他以一种全新的、几近抽象的风格创作。

《隆达尼尼的圣母怜子》没有优美均衡的结构，也没有光洁的外貌，就连人物的造型也是采用高度概括的手法，与其年轻时的“圣母怜子”截然不同。

在年轻时的《圣母怜子》中，米开朗基罗更注重作品的和谐之美，优美的作品是雕塑材质、主题与灵魂高度统一的凝结。

晚年的米开朗基罗重新审视圣母哀悼基督这一主题，表现出更耐人寻味、深层次的痛苦。他采用更为浓厚的象征主义表现手法，追求精神上的圣神境界。基督羸弱的躯体传递了满眼的哀伤，沉重的躯体成为负担，也成为灵魂的累赘。

《隆达尼尼的圣母怜子》只有基督和圣母两个人物，圣子基督显得异常虚弱，勉强站立，圣母玛利亚在他身后，竭力想要支撑起基督，圣母子相互支撑，在雕塑中几乎合二为一。

细长的、晚期哥特式风格的基督和圣母的身体脱离了此前那种完美、理想化的人物造型，即将战胜死亡阴影的基督与他哀伤的母亲的形体合而为一，尚未完成的躯体仿佛从石材中挣脱出来。

米开朗基罗的雕像浑然一体，有一种由内向外不被约束的力量，在他看来，雕塑是将人体从“石头的牢狱”中解放出来，雕塑这种形式所表达的就是一种激烈冲突，而这正是其“神圣而痛苦”的所在。

在《隆达尼尼的圣母怜子》这件半成品中，观者也能感受到灵魂冲破短暂的肉体的那种动力。

关于《隆达尼尼的圣母怜子》

作品持续至米开朗基罗去世都未完成；

米开朗基罗以一种全新的、几近抽象的风格表现；

米开朗基罗采用更为浓厚的象征主义表现手法，

追求精神上的圣神境界；

表现灵魂冲破短暂的肉体的那种动力。