在这里，色彩直接影响了心灵。色彩犹如键盘，眼睛好似音锤，心灵仿佛绷满着弦的琴，艺术家就是弹琴的手，他有意识地按动着各个琴键，以激起心灵的有目的的震动。

——康定斯基

当绘画与音乐相碰撞的那一刻

1896年，30岁的莫斯科大学法学院教授康定斯基，偶遇了一场法国印象派艺术巡回展，那一幅幅不同色调的《干草堆》，给这位年轻人留下了不可磨灭的印象。最终他放弃了安稳的工作，毅然前往慕尼黑，踏上他的了艺术之路。

在德国，康定斯基参加艺术课程，了解了以捕获瞬间光色变化的印象派，强调色彩的情感特质的野兽派，以多重角度观察事物的立体派，在现代艺术不断去除、简化的发展趋势下，自然而然地将他推向了更加注重形式美感的“抽象主义”之路。

康定斯基早期的作品，受到印象派和野兽派的影响，注重颜色的运用，并将具体的物象逐渐抹掉。

如1909年创作的《科黑尔，笔直之路》，精简的画面，带着朦胧和迷幻之感，只能依稀从简笔的人物和树木搞懂画面的含义。

康定斯基以不断简化的形式，企图抛弃绘画主题，单用形式传达和表现人们的内在感情和精神。这一理论，在康定斯基遇到音乐家勋伯格时，犹如打开了开关。

康定斯基与勋伯格，知己般分享着各自的艺术主张，康定斯基提出，绘画可以“发展成和音乐一样的活力”。他从勋伯格的音乐中，汲取无限的灵感。

因为音乐本身就是一种抽象艺术，音符只能用耳朵听，而不是看，使得想象力突破了现实的牢笼，任其发挥。

最终，康定斯基将绘画与音乐融合在一起，真正实现了他的艺术主张，以神秘的“内在需要”的哲学表述，寓于形式化的音乐性表达中。

在绘画实践中，提倡绘画音乐性和精神性表现，真正走向了抽象表现之路。

在这一理论的指导下，康定斯基发表了诸多关于艺术形式讨论的著作，并完成了多幅绘画作品，创作于1923年的《构图8号》便是其中之一，康定斯基认为，这是他“一战”后创造的第一幅完美的作品。

可以听到声音的绘画

这些几何图像到底想要表达什么？

这恐怕是大多数人看到《构图8号》之后所产生的疑问。

这些分布在画面上的圆形、直线、跳跃的色彩，好似初中生的数学几何题，在简单的形式美感间似乎难以找寻艺术家想要表达的内在含义。

想要欣赏康定斯基的这幅代表作，就必须要了解他的理论。康定斯基认为，主观的精神世界的表达，不能通过一般的具象物体表现，而是寓之于线条、色彩这些简单的形式之中。

只有抛弃具体物象的描绘时，形式和色彩才具有独立的表达艺术精神。

音乐在表达内心的深度上，有着独一无二的力量，一位艺术家，如果将音乐的方法用于自己的艺术，那么便产生了绘画的旋律。

同时，康定斯基认为，绘画的象征性语言也应该有明确的表述。在符号和色彩的运用上，应该像乐谱上的音符一样准确。于是，在他的画面中，线条、色彩等形式往往是具体事物的指代。

比如，蓝色是典型的天空色，是高贵的色彩，象征着升华，如果用乐器类比的话，淡蓝色是长笛，深蓝色是大提琴，更深的蓝色是巴松管；绿色是自然的颜色，平静、自我满足，是小提琴；而红色与绿色相对立，是充满热情的颜色，要用高亢的小号来代替；紫色是冷色调，应该用木管乐器来演奏。于是，不同的颜色有了不同的乐器和声音。

除了色彩之外，点、线、面也被康定斯基赋予了不同意味。

“点”包含了微弱的时间意味，是最短的时间形式，可以感受到短暂但强有力的时间长度和节奏韵律之感，也可由“点”联想到自然界中短促的声音。

“线”相对于“点”而言，则更具有张力和方向，在旋律的表现中，线条的粗细可以比拟音高的存在。

而“面”是“容纳作品内容的物质面”，即整块画布本身，由画面中的各要素，相对于整个画面的相对位置，表现不同的声音。

从上述康定斯基的理论，去欣赏《构图8号》，理解其内涵则要容易的多。高亢的红色小号、紫色的木管乐器、清脆的淡蓝色长笛、悠扬的绿色小提琴、黑色的静止符号，在粗细、方向不同的线条的规定下，演奏出一出了一首激荡人心的交响乐。

康定斯基以音乐的方式创造了一副视觉“音景”，让观者听到色彩的“内在之音”。至于你“听”到的是贝多芬的《命运交响曲》，还是莫扎特的《第40交响曲》，亦或是勋伯格的无调性音乐，就与艺术家无关了。

《构图8号》传达了康定斯基的创作自由精神，是对传统艺术观念和形式的颠覆。他以其绘画实践，完全实现着他的“视觉音乐”的理念。

康定斯基用色彩和形式的内在和谐，创造出了一种直达感官和心灵的力量，与内在的心理节奏和鸣，最终达到精神的直接交流。

关于《构图8号》

康定斯基“视觉音乐”理论实践的代表作之一；

画家认为，不同的颜色代表不同的乐器和声音；

画作的点、线、面都被康定斯基赋予了不同意味；

以色彩和形式构筑了一副视觉“音景”；

《构图8号》是对传统艺术观念和形式的颠覆。