先锋派(Avant garde)一词本没有明确的限定，它带有集合名词的性质，一般用来指在技术上和表现上，采用了与传统形式根本对立的手法的艺术探索。先锋派也不是单指一个艺术流派 ，则泛指时间上有先后，形式上有差异，甚至观点上有对立的多种艺术派别。因此外国批评家们在此阶段问题时习惯用这个词的复数(Avant—gardes)。

20世纪初，美术界未来派画家吉诺·塞维里尼（Gino Severini）写过一篇《先锋绘画》 的文章，使“先锋”这一概念渗透到艺术领域中。从此，先锋派艺术家开始自觉地运用“先锋”一词来表示他们新的艺术。

先锋派音乐观念的形成可以溯源至文艺复兴时期的新艺术。新艺术的创新在当时很长一段时间里并没有受到欢迎，但它却为日后音乐思想的发展做出了持久的贡献。 实际上先锋派作曲家们自认为是走在了时代的前头，用先锋派一词来概括他们的作品，本身就在暗示他们的作品在艺术进化历程中是在向前推进，而且必将在未来人类文化的发展进程中被接受和采纳。

在音乐中，折衷主义（Eclecticism）是有意识地使用与作曲家本性或过去时代无关的风格。 该术语也用于贬义来形容其音乐作曲家，被认为是缺乏原创性，似乎有意无意来借鉴其他作曲方式来进行自己的创作。 这个词也可以用来描述组合了多种风格的作曲家的音乐，比如说，在色彩对位上使用五重奏民歌的全音变体，或者在四分音阶/第二音阶和声上使用三重奏的旋律。

无论是哪一种风格，折衷主义也可以通过引用他人乐曲来表达。例如，肖斯塔科维奇（Dmitri Shostakovich）的第9号交响曲（Symphony No.9），直接引用了民谣/变奏曲，像是古斯塔夫·馬勒的第1，2和3号交响曲以及卢恰诺·贝里奥（Luciano Berio）的Sinfonia的第三乐章。

微分音音乐（Microtonal music）

简称为微音音乐，微分音即比半音还要小的音程。微分音音乐曾在某些原始社会中出现过，从古到今，也不乏作曲家和理论家对微分音的研究。在部分作品中，作曲家也曾少量使用微分音作为装饰，以在传统音高之中增加一些变化。他们大多各自使用自创的记谱法，来为传统的五线谱表示微分音。

巴托克·贝拉（匈牙利語：Bartók Béla Viktor János）曾直接在音符旁标注箭头，以上下指示微分音的升降。恩斯特·布洛赫（Ernst Bloch）则在音与音之间画上斜线，以表示微分音的升降。阿洛伊斯·哈巴（捷克語：Alois Hába）和克里斯托弗·潘德列茨基（波兰文：Krzysztof Penderecki）则是从升降记号的变形创造新记号，作为微分音的升降记号。

微分音音乐的记谱法问题，在作曲家之间一直难以达成共识，演奏家也不愿意学习冷僻的记谱法。要续继使用原有的五线谱，还是另外建立一套新的系统，至今也还没有定论。除此之外，还有微分音适当距离的问题。较早之前的是从十二个半音再分一半的24个四分之一音的音阶。布索尼（Ferruccio Busoni）提倡36个音的音阶，以六分之一音为最小音程。阿洛伊斯·哈巴随后也发展出以十二分之一音为音程符号的乐制，一个八度音有72个音。

噪音音乐（Noise music）

噪音音乐是一种音乐类别，其特征是在音乐环境中使用噪音。这种音乐往往会挑战传统音乐含有的音乐与非音乐声音之间的区别。噪音音乐包括多种音乐风格，和以声音为基础的创作实践，这些技巧将噪音作为主要的组成部分。

某些音乐可能会以声学或电子的控制的方式来产生噪音，以及传统乐器和非传统乐器都具有这种特征。它可能包含现场机器声音，非音乐声乐技术，物理操纵的音频媒体，处理的录音，现场录音，计算机生成的噪声，随机过程以及其他随机产生的电子信号。例如失真、反馈、静态、嘶嘶声和嗡嗡声。

也可能会强调高音量和长而连续的片段。一般而言，噪音音乐可能包含即兴创作，扩展技术，低音和不确定性等方面。在许多情况下，省去了对旋律，和声，节奏或脉冲的常规使用。

序列音乐（serialism）

序列音乐是20世纪出现的一种音乐创作手法，进而发展成为一种现代音乐类型和流派。其特征是将音乐的一些参数（一个或几个高音、力度、时值）按照一定的数字排列组合，称为一种序列，然后这些编排序列或编排序列的变化形式在全曲中重复。

序列的概念最早用于音高方面，导致20年代出现十二音音乐，其创始人勋伯格（Arnold Schoenberg）在十二音音乐中将音高排列称一定的序列。1936年，他的弟子韦伯恩（Anton von Webern）所作《变奏曲，No.27》的第二乐章，将序列手法进一步发挥，其音高在各音区的分布及音的发声与休止，也按预先确定的序列进行。

二次世界大战后，序列主义作品不断出现，梅西安（Olivier Eugène Prosper Charles Messiaen）、布列兹（Pierre Boulez）、施托克豪森（德語：Karlheinz Stockhausen）等一批采用序列手法作曲的作曲家，他们将起奏法、速度、节奏、音色、力度、密度等因素都排列成序，从而形成了所谓整体序列主义。斯特拉文斯基、布里顿等古典主义作曲家，也曾尝试过序列主义音乐的创作。

序列主义摒弃了传统音乐的种种结构因素(主题、乐句、乐段以及它们的逻辑发展等)和创作规律，使音乐创作成了数学演算的过程，最终形成的乐曲有很多偶然的成分。序列主义在电子音乐中得到重用，各种音乐要素被编成序列输入电脑，并通过电子合成器表现出来。

利盖蒂（匈牙利語：György Sándor Ligeti）

匈牙利-奥地利当代古典音乐的作曲家。他被描述为“二十世纪后半叶最重要的前卫作曲家之一”和“他那个时代的进步人物中最具创新力和影响力的人之一”。

匈牙利共产党当局曾限制他的音乐风格。在1956年，他到达了西方时，利盖蒂才能充分意识到他对前卫音乐的热情并开发新的作曲技术。在德国科隆尝试了电子音乐之后，他的突破性作品《Atmosphères》取得了巨大成功，当时的他使用了被后人称为微复音的技术；完成了他的歌剧《 Le Grand Macabre》之后，利盖蒂的创作风格从色彩主义转向了后来的多重节奏。

偶然音乐（Aleatoric Music/Chance Music）

是一种包含随机性元素的音乐创作，在一首音乐作品中，作曲家在某些地方会让演奏者按自己当时的意图，或透过一些系统去决定音乐的演奏，由于随机性并不可能每次都得出相同的结果，因而使乐曲每次的演奏版本都不尽相同。这个音乐创作概念较常见于现代音乐的作品。

以约翰·凯奇（John Cage）为代表，美国先锋派古典音乐作曲家，勋伯格的学生。他最有名的作品是1952年作曲的《4'33"》，全曲三个乐章，却没有任何一个音符。他是偶然音乐、延伸技巧（ extended technique，乐器的非标准使用）、电子音乐的先驱之一。虽然他是一个具有争议的人物，但仍普遍被认为是20世纪中最重要的作曲家之一。

而另一位电子音乐先驱，被后人评论为“ 20世纪音乐远见卓识的人之一”的施托克豪森，以在电子音乐的开创性工作，将偶然的音乐技巧，引入到作曲以及音乐空间化而闻名。他的著名作品包括了由19首钢琴曲组成的系列《Klavierstücke》、10个乐器合奏的《Kontra-Punkte》以及电子音乐演奏的《Gesang derJünglinge》等。

这些都是音乐家们生活在战后世界的真实回应。也许作风诡异，但却不可否认的是，这是个颠覆传统的新时代！